Richard Diebenkorn là nghệ sĩ hậu chiến tranh người Mỹ, nổi tiếng nhất với phong trào Bay Area ở San Francisco, một nhóm nghệ sĩ vào đầu những năm 1960 làm lay động hệ trừu tượng biểu cảm trở thành trở lại phong cách hình thể trong hội họa. Richard đã sống ở Bờ Đông nơi ông chủ yếu khám phá ra sự trừu tượng trong tác phẩm của mình. Tuy nhiên, khi ông trở về phía Tây và từ bỏ phương pháp trừu tượng dựa trên quy tắc và cách tiếp cận mà ông coi là quá cứng nhắc, ông trở lại với phong cảnh California là chủ đề chính trong tác phẩm. Ông sử dụng các hình dạng và màu sắc của địa hình Bắc California như một khuôn khổ cấu trúc cho tranh: cấu trúc lưới, góc nhìn từ trên cao và niềm vui rõ ràng trong việc truyền tải ánh sáng độc đáo của vùng đến trong tác phẩm. Những bức tranh trừu tượng, phóng túng của Richard là những bức tranh cảm xúc và gợi ý về cảnh quan.

2. David Hockney

Không có cuộc khảo sát về cảnh quan trong nghệ thuật hiện đại và đương đại có thể hoàn chỉnh mà không có David Hockney. Tuy nhiên, nghệ sĩ người Anh, người đã chuyển đến California, đã đi một quãng đường dài từ những bức tranh nổi tiếng về hồ bơi ở Malibu và Santa Monica của ông trong những năm 1960 và 1970. Bắt đầu sự nghiệp nghệ thuật tại Royal College of Art vào cuối những năm 1950 và đầu những năm 1960, cuộc sống làm việc của David đã liên kết chặt chẽ với phong trào nghệ thuật pop và cũng với chủ nghĩa biểu cảm trong hội họa. Ông đã thử nghiệm rộng rãi với các phương pháp để tạo ra các tác phẩm cảnh quan, bao gồm tranh nước, cắt dán ảnh, các bức tranh tượng trưng gồm nhiều bức nhỏ hơn được vẽ ngoài trời và sau đó được lắp ráp bên trong, và thậm chí cả tác phẩm được tạo ra với sự trợ giúp của phần mềm và iPad. Với mối liên kết không thể tách rời với ánh nắng mặt trời của miền Nam California, David cũng đã tạo ra các tác phẩm cảnh quan về Grand Canyon, miền Nam nước Pháp và trong những năm gần đây liên tục sáng tác về vùng nông thôn ở Yorkshire, quê nhà của ông ở phía Bắc nước Anh.

3. Wayne Thiebaud

Thường được biết đến như một nghệ sĩ hiện đại ở Bờ Tây, Wayne nổi tiếng nhờ những nghiên cứu tĩnh vật đầy màu sắc và đơn giản của ông về các đồ vật từ những năm 1960, đặc biệt là đồ ăn, đồ vật và bày trí bàn ăn điển hình ở Mỹ. Wayne bắt đầu tạo ra các bức tranh phong cảnh vào những năm 1960, sử dụng bảng màu nổi tiếng của mình với màu sắc giống kẹo ngọt và kỹ thuật vẽ tỉ mỉ, trong khi thử nghiệm góc nhìn chóng mặt để ghi lại cảnh vật California. Cảnh quan mang đến cho Wayne cơ hội khám phá các câu hỏi hình thức, không nhất thiết là các yếu tố cụ thể của những địa điểm ông miêu tả. "Nỗ lực để diễn đạt một cách hiệu quả nhất cách tôi cảm giác được sự cân bằng và mất cân bằng, từ đó khiến chúng hơi gây khó chịu. Tranh là một vật thể phẳng hoàn toàn và khi bạn cố gắng tạo ra một số sức ép, vẻ tráng lệ hoặc đáng sợ, điều gì đó phải xảy ra trong cấu trúc đó, để thu hút mọi người với cơ thể của họ, để trải nghiệm nó một cách chân thực nhất.”

4. Vija Celmins

Vija Celmins là một nghệ sĩ người Mỹ gốc Latvia được ngưỡng mộ trong thời gian dài vì cách cô tái hiện tỉ mỉ những hình ảnh tự nhiên, bao gồm sóng biển, sa mạc và bầu trời đêm. Bức tranh, tượng, bức vẽ và các bản in của cô miêu tả những cảnh vật với chi tiết vô tận khiến người xem bị choáng ngợp. Vija bắt đầu quan tâm đến việc thể hiện thế giới hữu hình vào đầu những năm 1960, khi cô bắt đầu vẽ các vật trong phòng làm việc của mình ở Los Angeles. Năm 1961, cô giành được một học bổng để tham dự một khóa học mùa hè tại Đại học Yale, nơi cô gặp Chuck Close và Brice Marden, những người bạn thân thiết của cô từ đó. Trong thời gian này, cô bắt đầu nghiên cứu các tác phẩm của họa sĩ nghệ thuật bình dị người Italia, Giorgio Morandi, điều này ảnh hưởng đến sự đơn giản của chủ đề mà cô miêu tả cũng như sự giảm thiểu về màu sắc.

Vào cuối những năm 1960, khi cô phát triển các bức tranh toàn cảnh về sóng biển, đá và thiên thể, cô đã bỏ màu sơn để sử dụng than chì và than đen. Cô sử dụng ảnh chụp làm nguồn cảm hứng, áp dụng một kỹ thuật siêu thực mờ xám, tập trung vào chất lượng hoàn thành vật thể của tác phẩm thay vì chủ đề của nó. Qua việc xuất hiện "cắt xén" của hình ảnh, như là sự mở rộng vô tận của cảnh quan được gợi ý, chúng ta dường như chỉ có thể hiểu được chúng khi bị giam giữ bởi một vật thể có tỷ lệ nhỏ bé. Việc tinh chế những khoảng cách rộng lớn thành những tác phẩm nhỏ mê hoặc này là một cách để hiểu về ý thức con người liên quan đến trải nghiệm sống.

5. April Gornik

April Gornik là một nghệ sĩ phong cảnh vẽ những bức tranh trên bề mặt lớn thể hiện vẻ uy nghi của cảnh vật nước Mỹ. Gắn liền với mục tiêu của các nhóm nghệ sĩ như Hudson River School, April cũng muốn thể hiện sức mạnh của thiên nhiên và những cảm xúc tuyệt vời mà nó gợi lên trong người xem. Các tác phẩm của cô thường tập trung nhiều vào sự hình thành của mây. "Tôi tạo ra những cảnh vật của mình để có thể sống trong chúng," nghệ sĩ đã nhận xét. "Đó là lý do tại sao tôi biến đổi chúng, tạo ra sự nhân tạo trong tác phẩm, vì tôi muốn chiếm hữu chúng." Mặc dù cô không phải là một tình nguyện viên môi trường, qua tác phẩm của mình, cô là một người yêu thiên nhiên đam mê và có niềm tin sâu sắc vào sức mạnh tâm linh của nó. Cô đã nói rằng "Nếu ai đó hiểu tác phẩm của tôi như một sự phản đối hành vi tàn phá của chúng ta, hoặc một sự nỗ lực để mọi người nhìn ngoài bản thân mình hoặc nhìn thấy bản thân mình là một phần của thiên nhiên thay vì suy nghĩ con người là trung tâm, thì tôi sẽ rất vui khi đã khuyến khích điều đó".6. Ilse d’Hollander

Ilse D'Hollander là một họa sĩ với những bức tranh có kích thước gần gũi cho thấy một sự phát triển lớn về màu sắc, cấu trúc, tỷ lệ và bề mặt, thường thông qua việc sử dụng những sắc thái nhẹ nhàng và những cấu trúc đơn giản được thu gọn. Rất nhiều tác phẩm của cô ưu tiên sự trừu tượng lãng mạn mang một tông điệu suy ngẫm, nhưng cũng có một số tác phẩm gợi lên không gian vật lý và cảnh quan, đặc biệt là những cánh đồng mênh mông màu đất của vùng đồng bằng Flanders gần nhà cô. Được coi là một họa sĩ thực sự trong các họa sĩ, cô là một họa sĩ có kỹ năng điều khiển nét cọ tuyệt vời. Những bức tranh và tác phẩm trên giấy của cô thường ưu tiên sự trừu tượng, nhưng cũng gợi ý một cách ngụ ý đến những thứ hằng ngày, gợi nhớ đến thiên nhiên và cảnh quan của vùng nông thôn Flanders nơi cô đã trải qua những năm cuối đời và sáng tạo nhất của mình. Tuy nhiên, mặc dù gợi nhớ đến các vật thể và địa điểm trong thế giới, cũng như các yếu tố cụ thể về nhiệt độ và ánh sáng, các bức tranh của Ilse hiếm khi được nhận ra ngay lập tức là những cảnh quan trực tiếp và đơn giản. Người xem bị thu hút, không chỉ bởi sự mơ hồ của hình ảnh mà còn bởi tỷ lệ rõ ràng cũng mời gọi sự xem xét kỹ lưỡng. Những mảng màu đơn sắc hoặc gần như đơn sắc có thể bị gián đoạn bởi các khối màu; những hình khối hình học được làm mềm bởi những vết sơn hay những nét vẽ mỏng - được áp dụng bằng cọ hoặc đôi khi bằng tay của nghệ sĩ. Kết quả có thể được ví như một loạt các ấn tượng, điều chỉnh và lớp lót trong các cấu trúc thu gọn một cách cẩn thận của cô - quá trình suy nghĩ của nghệ sĩ được ghi nhớ và ghi lại thông qua việc tạo ra tác phẩm.

7. Peter Doig

Peter Doig là một nghệ sĩ sinh ra ở Scotland, nhưng khi còn nhỏ ông đã chuyển đến vùng Caribbe và sau đó đến Canada, nơi ông lớn lên. Các tác phẩm của ông gợi lên một câu chuyện lạ lẫm và mơ hồ, thường mang một không khí ngột ngạt hoặc đầy dự báo. Thường được mô tả là sở hữu một "hiện thực ma thuật", các tác phẩm được thể hiện từ những bức ảnh, không nhằm mục đích sao chép chính xác từ ảnh gốc mà nhằm tham khảo các yếu tố của ký ức và ghi chú. Trong một cuộc phỏng vấn năm 2008, Peter nhắc đến việc sử dụng ảnh và bưu thiếp như là "vẽ theo ủy quyền" và lưu ý rằng các bức tranh của ông "không cố gắng phản ánh bối cảnh". Rất nhiều bức tranh của Peter là cảnh vật, hơi trừu tượng, và một số trong số đó trở về với những khung cảnh tuyết phủ trong tuổi thơ của ông ở Canada. Ông lấy cảm hứng cho các tác phẩm hình tượng từ các nguồn ảnh phong phú; những bài báo cắt từ báo, cảnh phim, bìa album và các tác phẩm của các nghệ sĩ trước đó như Edvard Munch, những tác phẩm của ông có thể được mô tả là những nỗ lực truyền đạt trạng thái tâm lý sâu sắc. Cảnh vật được xếp lớp theo cách hình thức và khái niệm, và lấy cảm hứng từ các nghệ sĩ lịch sử nghệ thuật khác nhau, bao gồm Caspar David Friedrich, Claude Monet và Gustav Klimt.

8. Etel Adnan

Etel Adnan là một nhà thơ, nhà tiểu luận và nghệ sĩ hình ảnh người Mỹ gốc Lebanon. Vào năm 2003, Adnan đã được tạp chí học thuật MELUS: Multi-Ethnic Literature của Mỹ ca ngợi là "một trong những tác giả người Mỹ gốc Ả Rập nổi tiếng và thành công nhất hiện nay". Kể từ khoảng năm 1950, cô đã sống ở California, nơi cô đã làm việc trong hầu hết cuộc đời của mình như một học giả. Trong những năm gần đây khi gần bước sang tuổi già, cô đã được công nhận trên toàn thế giới với những bức tranh của mình. Màu sắc và ánh sáng là hai yếu tố quan trọng trong loạt tranh cảnh núi Mount Tamalpais (Marin County, California) của Etel. Etel đã nói rằng "ánh sáng là tất cả đối với tôi", và ánh sáng mặt trời được thể hiện trong những bức tranh và các tác phẩm khác của cô thường được tạo hình và hiển thị như một yếu tố cấu trúc chính. Được biết đến như một nhà cộng tác xuất sắc, tranh của Etel có vẻ đơn giản nhưng thực chất là những bài tiểu luận tinh vi về sự hài hòa trong cách sắp đặt.

9. Lucas Arruda

Lucas Arruda là một họa sĩ hiện đại người Brazil nổi tiếng với ánh sáng mờ ảo đặc biệt trong các bức tranh của mình. Được coi như những bức cảnh vật, những bức tranh sáng tạo của ông không chỉ đơn thuần là hình ảnh của những địa điểm cụ thể mà hơn là một tác phẩm của trạng thái tâm lý. Như ông đã lưu ý, "Lý do duy nhất gọi các tác phẩm của tôi là cảnh vật là văn hóa - chỉ đơn giản là người xem tự động nhận ra định dạng của tôi là một cảnh vật, mặc dù không một bức ảnh nào có thể được truy vết đến một địa điểm địa lý. Đó là ý tưởng về cảnh vật như một cấu trúc, thay vì một địa điểm thực sự". Cảnh vật và biển của Lucas được đặc trưng bởi sự điều chỉnh tinh tế của điều kiện ánh sáng. Được vẽ từ ký ức, chúng không có các điểm tham chiếu cụ thể, thay vào đó đa dạng hóa thông qua sự mô phỏng của nhiều loại ánh sáng không khí, có thể gợi nhớ đến các điều kiện thời tiết khác nhau, thời gian trong ngày hoặc thậm chí mùa. Gần như trừu tượng, các bức tranh được gắn kết bởi một đường chân trời luôn hiện diện, dù đôi khi mờ nhạt, mang lại cảm giác khoảng cách và ánh sáng không gian. Với kích thước nhỏ gọn, chúng cùng một lúc trông quen thuộc và tưởng tượng. Thông qua nét cọ nhẹ nhàng, Lucas đưa ra tầm quan trọng của chất liệu và vật chất của sơn màu, đồng thời gợi lại sự liên kết lịch sử của thể loại này với sự linh thiêng lãng mạn.

10. Harold Ancart

Harold Ancart là một nghệ sĩ người Bỉ đang sinh sống tại thành phố New York. Ông nổi tiếng với việc sử dụng màu sắc táo bạo và cấu trúc mạnh mẽ trong các tác phẩm của mình, một số trong số đó có một sự tương đồng nhất quán với các tác phẩm trừu tượng của nghệ sĩ Clyfford Still. Nhiều tác phẩm của ông là tranh cảnh vật, tuy nhiên Harold mô tả chính những chủ đề này như những lời giải thích cho việc khám phá những vấn đề hội họa hình thức hơn. Trong các tác phẩm cảnh vật của Harold, đường chân trời được mở rộng và không gian được cho là bao la, mặc dù những đặc tính không thể giảm của hội họa và vẽ đã là động lực chính lúc bấy giờ. Harold đã làm giảm hình ảnh của mình xuống thành các hình dạng cơ bản trong khi mở rộng tỷ lệ và tông màu. Mây, đám cháy, tảng băng và các yếu tố của đất và nước là những hình dạng có thể nhận biết mà ông sử dụng để lột tả cảnh vật xuống đến những nguyên tắc cơ bản. Nghệ sĩ đã mô tả chủ đề như một cái "cớ" để sơn màu được đẩy lên bức tranh. Harold tạo ra những bức tranh rực rỡ để nhớ đến những khoảnh khắc quan trọng trong hội họa hiện đại, đặc biệt là trường phái trừu tượng biểu cảm và hội họa trường màu, kéo dài sự tối giản tinh tế của chúng thành một tầm nhìn phóng khoáng. Trong tác phẩm của mình, ông nhận ra sự khao khát điên cuồng cho một nơi không gian ưu tư hoặc một cuộc trốn thoát giống như Eden là một đặc điểm không thay đổi của trí tưởng tượng của chúng ta, và thường là miền đất hư cấu này ông thường tìm cách thể hiện. Trong những bức tranh của ông, ông đề xuất rằng khả năng trải nghiệm biến đổi không chỉ tồn tại ở ngoài thế giới để chúng ta cố gắng đạt được, mà còn chứa đựng trong lĩnh vực của hội họa.

----------
Tác giả: Artland Magazine 

Link bài gốc: Top 10 Landscape Artists in Modern and Contemporary Art

Dịch giả: Lê Ngọc Bảo Trâm - ToMo - Learn Something New

(*) Bản quyền bài dịch thuộc về ToMo. Khi chia sẻ, cần phải trích dẫn nguồn đầy đủ tên tác giả và nguồn là "Dịch Giả: [Tên dịch giả] - Nguồn: ToMo - Learn Something New". Các bài viết trích nguồn không đầy đủ, ví dụ: "Theo ToMo" hoặc khác đều không được chấp nhận và phải gỡ bỏ.

(**) Follow Facebook ToMo - Learn Something New để đọc các bài dịch khác và cập nhật thông tin bổ ích hằng ngày.

(***) Trở thành Tình nguyện viên, Thực tập sinh Part-time tại ToMo để rèn luyện ngoại ngữ và đóng góp tri thức cho cộng đồng tại: http://bit.ly/ToMo-hiring.